10 preguntas a Au Revoir Simone

Vía mail realicé esta entrevista a Erika Forester quien amablemente me respondió diez preguntas. Además transcribo la entrevista bilingüe así todos pueden disfrutarla.

¿Cúal es el significado del nombre? Su historia.

El nombre de la banda viene de la pelicula “La gran aventura de Pee Wee” de Tim Burton, amamos esa película!

¿Dónde está “el punto fuerte” en sus canciones?
Nos emocionan nuestras canciones porque las componemos complementariamente. Cuando una canción está terminada, sabemos que refleja una parte de cada una de nosotras individualmente.

¿Cómo se conocieron?
Yo solía tocar en una banda con el novio de Annie. Nos conocimos y nos hicimos amigas instantáneamente, así que decidimos empezar una banda con solamente teclados. Heather era una amiga del barrio. Como era muy copado lo que hacia en artes escénicas y tenia un muy buen gusto en la música, la invitamos a que se nos una.

¿En que ciudad viven? ¿Cómo es la escena allí?
Vivímos en Brooklyn, New York. Es una comunidad amorosa. A menudo salimos de fiesta con nuestros amigos y disfrutamos de la buena vibra, del sentimiento de estar en casa y del cambio de las estaciones. Además, siempre hay algo creativo y divertido para hacer!

¿Cúales son sus bandas amigas de la ciudad?
Grizzly Bear, TV On The Radio, Purse Snatchers, Uninhabitable Mansions, Clap Your Hands Say Yeah, Apache Beat.

¿Cúales son sus discos de la niñez? ¿Qué música escuchaban sus padres?
Todas tuvimos diferentes discos sonando en nuestras casa mientras crecíamos pero todas amamos a los Beatles.

¿Qué otras influencias no musicales, les dan ideas o motivación para su música?
La naturaleza, la amistad y el amor.

¿Qué canciones suenan mejor en vivo?
Nos gusta tocar algunas lentas canciones ensoñadoras junto a algunas divertidas y bailables durante nuestro show.

¿En qué otros proyectos están involucradas?
Annie está tocando en una banda llamada Uninhabitable Mansions.

La vida es…
Buena onda.

In english…

What’s the meaning of the name? The history.

Our band name comes from the movie by Tim Burton called “Pee Wee’s Big Adventure” we love the movie!

Where’s the “strong point” in your songs?
We get excited about our songs because we write them collaboratively. When a song is finished, we know that it reflects a piece of all three of us as individuals.

How did you meet each other?
I used to play in a band with annie’s boyfriend. We met and became friends instantly and decided to start and all keyboard band. Heather was a friend from the neighborhood. She was cool, in the art scene and has very good taste in music so we invited her to join as well.

Where do you live? How is the scene there?
We live in Brooklyn New York. It is a very lovely community. We often run into friends walking down the street and enjoy the energy, the feeling of home and the changing of the seasons. Plus, there is always something fun & creative to do!

Which bands are your friends in the city?
Grizzly Bear, TV On The Radio, Purse Snatchers, Uninhabitable Mansions, Clap Your Hands Say Yeah, Apache Beat.

What where the records of your childhood? What music did your parents listen?
We all had different records playing in our homes growing up but we all loved The Beatles.

What others non musical influences, bring you ideas or motivation for your music?
Nature, Friendship, Love.

Which song sounds better in your shows?
We like to play some slow dreamy songs and some fun dance songs during a show.

In what others proyects are you involved?
Annie is playing in a band called Uninhabitable Mansions.

The life is…

Gentle.

Anuncios
10 preguntas a Au Revoir Simone

Au Revoir Simone

Foto: Kate Merrick

Abrigando un profundamente arraigado amor por los teclados y por maquinas de ritmo vintage, el trío de Brooklyn, New York, USA, Au revoir SimoneHeather D’ Angelo, Erika Forester, Annie Heart – hicieron su debut en el 2005 cuando su mini albúm Verses of comfort, Assurance and salvation fue silenciosamente editado en varios sellos alrededor del mundo (Moshi Moshi en UK, Rallye en Japón, independiente en USA).
Desplegando encanto e inteligencia, Verses… fue una lección de bienvenida en como mezclar con habilidad capas de teclados, voces etéreas y palpitantes beats disco electrónicos. Rico en melancolia y melodia, las chicas emergieron instantáneamente como un remedio a un clima de bandas-de-chicos-con-guitarras.
Obviamente, la historia comenzó mucho antes. Au revoir simone se formó en el Otoño del 2003 cuando Erika y Annie hicieron un viaje con sus amigos en tren durante un fin de semana desde su casa a NYC. Allí descubren un deseo en común de formar una banda sólo de teclados, así comenzaron a juntarse regularmente. Al poco tiempo, su amiga en común Heather se les unió para ensayar en una habitación con vistas a sus primeros shows para ese invierno.
La banda ha recorrido un largo camino desde sus principios en el 2003. Desde su primer viaje a Europa y Japón hace unos años, las ARS han hecho una tonelada de shows en su ciudad natal, como también un extenso tour por USA, Canada y Europa haciendo de banda soporte a sus colegas We are Scientists. Consecuentemente, los vivos son musicalmente más ajustados que antes. Así llegan a su primer LP,
The Bird of Music.

Escrito y grabado en Brooklyn durante el año pasado (salvo “I couldn’t sleep”, la cual Erika grabó con su novio en Japón el año anterior), el albúm debut de ARS más que seguir, atravezó la promesa que Verses… representaba. La gran diferencia entre los dos discos, es que mientras Verses… era un compilado de sus canciones preferidas en su primer año juntas, The Bird… fué pensado especialmente como concepto.
Cuando se propusieron hacer este disco, las chicas intentaron crear algo que suene más exuberante, complejo, caliente y orgánico que
Verses. Querian transformar sus instrumentos electrónicos en algo que se sintiera más vivo, con más profundidad. Comenzaron a experimentar con un rango más amplio de instrumentos tales como: vibrafonos, Wurlitzer, instrumentos percusivos y otros músicos sesionistas para tocar trompeta, trombóm, violín y cello. El disco fué grabado en un estudio analógico buscando la profundidad en el sonido que este permite.

Au Revoir Simone

Entrevista a Lucas Martí (2º parte)

¿Ustedes encaran el proyecto y después consiguen el contrato discográfico?

No, en un momento sabiamos que podia ser una complicación porque involucras mucha gente y comienza a haber intereses más cuando participa Juliana Gattas de Miranda!. Desde el momento que la llamamos a ella ya casi sabiamos que el disco lo ibamos a sacar por el sello de ellos porque no teniamos opción. Nos costó mucho lograr que el sello escuche el material, imaginate que bola nos hubiesen dado si los llamabamos para pedirle el permiso de ella. Yo le decia a Ezequiel:
“Ya sabemos que va a ser complicado, pero el disco hagamoslo y después veamos como lo vamos a resolver en cada cosa” porque si nos poniamos a ver como era la situación no lo hubiesemos hecho nada. Fué bastante ingenuo en un punto de nuestra parte. Todo un poco de la mano del poder que pudieron haber tenido las canciones en ese momento, que era lo único que podiamos ofrecerle a la gente, que cantara una canción que le gustara. No podiamos llamar a Juliana y decirle: “Mirá tenemos tanta plata” podiamos decirle: “tenemos esta idea, esta canción, te gusta?”. La escuchó y le gustó.
Yo queria que estuviese Deborah del Corral por ejemplo, me encanta su voz. Ni la conozco a ella personalmente, sólo la ví cantar, eso era lo que me importaba. No me importaba si era conocida o nada, me gustaba que canta muy bien. Pero no llegamos a coordinar y en algún momento sé que vamos a hacer algo. Aldana, María Fernanda, también de El otro yo, me hubiese gustado que esté, tampoco lo pudimos coordinar. Hay un montón de chicas que podrían cantar, montones, pero creo que se dió algo bastante equilibrado en el disco.

Fue bastante organico, natural…

Y si, si porque aparte hasta el momento en que el disco lo mandamos a un sello, no hubo nadie de intermediarios más que nosotros y las chicas. Eso es muy importante.
Este disco no lo podemos hacer de otra manera, por más que hagamos otro disco y tengamos más producción no podriamos hacer que las chicas las llame alguien, porque ya se pierde inmediatamente la onda. Yo cuando lo veo al disco, cada vez que veo la tapa y eso, me parece un logro, como algo que digo: “wuahh que bueno haberlo hecho”. Me sorprendió a mí mismo a esta altura, no es que yo sea un viejo choto, me sorprendió que haya salido algo nuevo. Inclusive me renueva a mí también, me dió un aire nuevo, más ganas de retomar lo mío.

¿Cuanto tiempo pasó desde que empezaron hasta la edición del disco?

En verdad no pasó mucho tiempo, a mi me dá la sensación de que pasa un montón. Lo empezamos en el verano del 2007, hace un poco más de un año. Ahí grabamos el primer tema con María y con Juliana, después, algo loco que pasó fué que alguien me habló de Javiera Mena, yo no la conocia. Justo vino ella, le mandé un mensaje por el myspace porque escuché un tema y realmente me llamó mucho la atención. Encontré inclusive elementos muy familiares a mí. Me contacté con ella y me confesó que conocia mi música hace mucho tiempo. Fué algo divino. El disco que hizo ella “Esquemas juveniles” me gusta desde que empieza hasta que termina. Fué lo mejor que escuché en mucho tiempo. Así que fué para mí muy especial que estuviera ella.

Lo que me me gustó de la participación de Javiera en el disco, es que los temas le encajan justo, la mayoría de los temas tienen esa característica, pero la veo más versátil a María Ezquiaga por ejemplo.

Igual existió siempre un 40% de riesgo. “Mirá, Javiera puede cantar este tema, le quedará bien el tono? sí bueno”, pero no lo pudimos repasar nunca. Llegó al estudio, le pusimos el tema y a ver que pasa. Igualmente no tuvimos ningún problema con eso, sí cambiamos algunas cosas, pero pequeñas. Yo quería que estuviese una amiga mía que se llama Tamara que es del grupo Limpiaisla de Rosario, que tenian otra banda antes que era Celestito.

Si recuerdo…

Bueno, no logré coordinar con ella, tampoco pudo estar…

Una cosa que me llamo mucho la atención es la relación de padre-hijo en las letras, ¿donde te paraste vos para componerlas?

Quizás hay algunas circunstancias personales que no tienen que ver con haber sido padre pero… a esta altura, de lo que me pasa a mí, a veces pienso: “y de que puedo hablar si no es de estas cosas, que lo que le pasa a la gente?”. Yo escucho bandas, como Los Violadores que cuentan una historia que se compran un auto rojo y salen a fusilar gente y me re copo, pero yo siento que eso no lo puedo escribir. ¿De cuantas cosas podés hablar? Podés hablar de que hay guerras, no sé, pero no son tantos los temas que yo siento ahora que puedo tocar. Yo habló de los celos, de los sueños y las frustraciones. Igual tomé un poco todo ese tema de una manera bastante dramática y drástica, un poco a drede porque es mi manera de novelizar las cosas. Me gusta cierta cosa dramática.
También el hecho de escribir para mujeres me despierta cierta cosa. Vos cuando ves una chica y te gusta, en tu mente estas viendo también si te gustaría tener un hijo con ella, si te gustaría vivir con ella, un montón de cosas que quizás ni son concientes pero las estas pensando. Yo cuando escribo acerca de mujeres me pasa eso. Si supiese explicar tan bien como es que puedo escribir esas cosas… yo creo que es más inconciente.

En general, ¿en que momentos escribís? ¿En los momentos que te sale o te lo propones?

Pocas veces tomo algún apunte de una letra sin tener la música. Ya digamos, me atrevería a decir que odio las letras con poesía. Es una cosa muy de otra época. Me puedo tomar ese relax a nivel de hacer complicaciones musicales, esas cosas pero la letra para mí es algo casi urgente. Tiene que ver con estos tiempos, estos tiempos para mí son como rápidos. Yo siento, no sé si logro, yo te puedo decir cual letra del disco es tonta. “Patrullero” es una letra tonta, tonta en el sentido de que no escarba más allá…”IOA” también… No sé como lo disfruta la gente, quizás hay gente que no entra tanto por las letras. De repente, por ahí el disco lo terminan escuchando chicos que tienen 16 o 17 años que por ahí no hacen tanto foco en esa parte.
Hace un par de discos que vengo diciendo: “Bueno, usemos dos teclados, usemos el mismo sonido de batería, el mismo bajo” Un disco con un sonido. Acá no podemos hacer eso. Porque al haber diez, doce cantantes diferentes es como que cada una tiene su estilo. Yo realmente compongo muy diferente por ahí hago un tema re ochentoso o hago un tema que tiene más que ver con un bolero o con música de antes de los ’60. No podemos encasillarlo, más si queremos que participen Mariana Baraj y Noe Mourier de Coco.

¿Hay segundo capítulo?

Las canciones están, así que algo vamos a hacer.

En general tocas muchos instrumentos en tus discos, ¿por qué lo haces?

Yo creo que hay cosas que las puedo hacer mejor por el hecho de que las entiendo profundamente. Igual creo que es una cuestión práctica basicamente. Ahora hice un disco nuevo como solista en el que practicamente no toqué casi ningún instrumento. Donde lo hice con mi banda: Marcelo Baraj, Alejandro Carrau, Ezequiel Kronenberg y Nico Pedrero. En “Tu entregador” tampoco toco casi ningún instrumento, eso cambió ahora a partir de este disco. Pero son discos en los que ensayamos y grabamos en dos días. En un proyecto en que nos juntamos en estudio, como fué “Papá”, que tenemos todos los elementos ahí, tenemos la batería, yo toco la batería hace bastante.
Sé que lo que voy a hacer lo puedo hacer, si no lo puedo hacer llamo a otro. Es una cuestión práctica, con Ezequiel nos juntamos para hacer por ejemplo “Supermal”, yo sabía como queria que sonara el tema, que sea algo así como New Order de la primera época. Yo lo podía tocar, pero le dije: “para este tema llamemoslo a Marcelo Baraj, él este ritmo lo va a tocar perfecto”, y bueno lo llamamos y perfecto. Hacía falta otra cosa, de Dieguito Arcaute, él iba a grabar dos temas, a él se le había ocurrido otras cosas, un hi-hat muy grande, buenismo, entonces lo grabamos pero después había quedado muy ruidoso el tema, María vino a meter la voz y era un quilombo, entonces dijimos: “que hacemos?” y Ezequiel me dijo: “metete y grabalo”. Es una cuestión práctica. Yo puedo meter un teclado, pero la parte de piano que toca Jacinto yo no lo puedo hacer, es re de pianista.

Entrevista a Lucas Martí (2º parte)

The Epochs

No tengo idea como puede ser que sigan apareciendo nuevas e increíbles bandas. Puede ser que no haya descubierto nada, digo, a esta altura con estos chicos de The Epochs, pero seguro hay quien no sepan de que se trata.
Son un grupo proveniente de Virgina, ahora radicados en Brooklyn, New York, EEUU. La banda está formada por los hermanos Ryan (tecladista) y Hays (guitarrista) Halladay además de el baterista Kotchy y el bajista Kevin Smith. Tienen un LP editado en febrero pasado llamado The Epochs, un LP del 2003 Ten Billion Light Years of Solitude y un EP con algunos remix.
En la batería utilizan pads electrónicos y recurren mucho a los juguetes también, como samplers y maquinitas de ritmo. Hacen pop, y que más decir, son realmente eclécticos; los discos fueron enteramente grabados en un estudio casero, con detalles de electrónica, R&B, atmósferas bien logradas y aires a The Beach Boys o The postal service. A escuchar mi amor.

The Epochs

Entrevista a Lucas Martí (1º parte)


Foto: Ezequiel Muñoz, cortesía fotolog.com/masufrita

Lucas Martí es un músico único, es uno de los solistas más talentosos de la escena local y uno de los personajes más interesantes, por el peso de sus ideas. Además lleva sobre sus hombros la liviandad de haber creado y recreado A-Tirador Láser, banda desintegrada en el 2004 y que empezó su carrera en el año 1994. Esta entrevista la realizé hace un mes masomenos en un bar, con el fin de hablar sobre el disco Varias artistas y sobre su música.

¿Cual es la génesis del proyecto? El de Varias artistas.

Es mas o menos la misma que la de otros proyectos míos, que es seguir encontrando espacios para transmitir canciones, música, letras, pensamientos, tal vez en una idea diferente, pero es basicamente la misma corriente que me lleva a hacer los discos que hago yo en otro formato. La génesis igual no sé bien que seria.

En que momento dijiste: “No esto no lo puedo cantar yo, esto lo cantan las chicas…”

En verdad, yo iba a hacer unas grabaciones, queria un poco repetir la misma idea que con “1er y último acto de noción” y “Simplemente” que eran uno acústico y otro eléctrico, despúes de “Tu entregador”. Quise hacer algo así, de nuevo, pero Ezequiel Kronenberg, que está trabajando conmigo, un poco me tiró abajo esa idea y me dijo que tenia que esperar un poco porque recién habíamos sacado el disco, él no compartia mucho. Se me ocurrió lo de las chicas, a los días lo llamé y le dije: “mirá yo quiero grabar algo” , le conté y él se entusiasmó ya que le pareció que era algo bueno para hacer. Aborté esa primer idea y solamente de esos discos que pensaba hacer hay una sóla canción que no está escrita para el disco “Papá” que es “Patrullero”, ese podría ser el disparador de todo, es la única canción que no estaba pensada para ese proyeccto.
Después hay otros antecedentes. Yo había hecho una canción para Emme, Mariana Vitale, que es un tema también del disco que es “IOA”. Ese tema se lo hice a ella hace dos años; para un disco de ella que finalmente no se editó. A mí me gustaba la canción pero no le iba a cambiar la letra para cantarla yo, así que quedó ahí. No la terminó cantando ella, pero con esas dos canciones empezamos.

¿En que difiere la edición de este disco con uno solista tuyo? Y cual sería el objetivo de este

Es diferente. Yo hago de músico y compositor pero no tengo un rol ni escénico ni a nivel de imagen, de que el producto se promueva a través de mi imágen. Yo en vivo soy un guitarrista que está ahí y no voy a saltar o a vestirme de manera relevante como para llamar la atención. Es relamente muy atractivo para mí, de hecho soy más guitarrista que en mi proyecto solista que es una tarea que estoy dejando de lado y ahí solamente me tengo que ocupar de eso, de la guitarra y de la producción. ¿El objetivo? Sí hay un objetivo que es el mismo de siempre…hacer canciones y pasarla bien. A mí lo que más me gusta, esto creo que lo descubrí este año, que lo puedo decir, me gusta más hacer canciones que grabarlas, que tocarlas o que cantarlas. Me parece que entre todas las características que yo puedo tener, es mi fuerte. Después si yo la canto o no la canto yo para un disco mio o no, eso ya es otra cosa.

¿No te importa tanto?

No es que no me importa, no es tan importante como el hecho de tener una canción. Para mí es casi como un cofre de algo valioso, valor. No soy de los que tienen setecientas canciones; sé que tengo dos, tres discos que los voy a sacar en algún momento que están buenos que realmente son algo que a mi me permite seguir adelante. Si no hay una canción no hago nada. No soy un músico virtuoso que puede interpretar las canciones de otros o hacer arreglos, no es lo mío, yo se hacer canciones, no tengo una vida activa de músico que hace otra cosa. De repente alguna vez participé en algún proyecto tocando la batería, que me gusta mucho, pero fueron cosas como muy aisladas, con el tiempo me fuí dando cuenta de que eso es lo que puedo dar.

Humildad…

No soy muy humilde la verdad…

¿Como fué la elección de las chicas y cual te quedó afuera?

Las chicas las elegimos un poco por cercanía, calidad humana y por conexión. Pasaron otras cosas igual, no es que nosotros pudimos elegir y dijimos: “esta sí esta no”, osea, se generó otra cosa, una onda. Nosotros tenemos muy buena onda con María Ezquiaga de Rosal, a partir de eso se fueron abriendo otras posibilidades. El disco lo hicimos con Ezequiel, él me ayudó con la producción y entre los dos tocamos los instrumentos. Estabamos bastante ansiosos por llevar adelante el disco, entonces no sé si nos tomamos el tiempo y la dedicación para decir: “Bueno a ver escuchemos como quedó esta parte”, fué más urgente todo y como lo pudimos hacer. Quizás ahora podamos hacer algo más exigente, inclusive también con las chicas mismas.

Entrevista a Lucas Martí (1º parte)

The pains of being pure at heart

Foto: Mike DeSutter www.theroyalscourge.com

Ya desde el nombre esta banda conmueve. No he sido un re-fan del indie yanqui de los ’90, sólo porque en esa época me la pasé más que nada escuchando a los indies de acá, exeptuando a los Breeders o Pavement. Pero de alguna forma un tanto rara, hoy estoy encontrandome con Pixies, Stephen Malkmus (a quien ví en vivo en Unione e Benebolenza), Frank Black, más Breeders, etc. Y aparecen estos pibes. Que son como Morrisey con 15 años, con una chica haciendo hermosos coros, guitarras sucias, pop, lindas baterías electrónicas y sí son muy lindos. Son una de la cosas más under que hay por ahí.
Se formaron en el 2007, son de New York, tienen un EP, un split, y algunos singles para los sellos Cloudberry Records y Slumberland Records. Busquen y escuchen.

The pains of being pure at heart

Babasónicos en el Luna Park el 11/07/08


Fuente: Rollingstone.com.ar. Foto:Diego Paruelo

Marea de psicodelia, arrazadores, ajustados, microdancing y chicas perdidas entre tanto rock

La luminaria primero apuntó a Uma-T, quien posó en el centro del escenario, abrió sus brazos, sonrió y abrazó al publico en su extasis, en su momento. Despues, por orden de altura en la disposición piramidal del escenario, a cargo de Sergio Lacroix, lo siguieron Panza, Carca, Diego Rodriguez y Mariano Roger. Todo esto mientras una musica hacia de antesala al estado de rock. Un, dos, tres y “Estoy rabioso” comenzaba a sonar, potente, muy potente, Adrián Dargelos seguia sin aparecer a escena, es que comenzó a cantar desde adentro de la estructura, dentro del volcán. Así los tres primeros temas fueron uno, le seguieron “Sin mi diablo” y “Pendejo”.
La escenografía era imponente, que acompañaba con luces y una estética muy cuidada. La estructura piramidal permitia ver el show desde cualquier punto del Luna Park sin perder el más mínimo detalle. Es para destacar que los Babasónicos tienen un manejo del escenario fabuloso, único, donde todo esta cuidado y nada es previsible. Adrián, a esta altura, es un showman distinto, no habla, no dice nada de más, solo actua cada canción, se pone en la piel de esos personajes que destilan los discos. Es un actor endrogado, que fluye con cada acorde y que hasta se olvida la letra, pero que no pierde nada de su carisma.
La lista de trienta temas tuvo de todo. Incluyeron “Sátiro” y “Esther narcótica” del disco Babasónica, los cuales no venian tocando, por lo menos en Buenos Aires. Despues de “Pobre duende” deAnoche, salieron todos y volvieron solo Uma T y Diego Rodriguez con el Photoziser, un instrumento que funciona con la luz y se maneja conectado al brazo, el cual emite unos raros sonidos que hacian, a su vez, que de intro para “Microdancing” y de intro para el momento mas bailable del show. Luego la engancharon con “Y que”, la clásica “Patinador sagrado” y “Suturno”, lindo bloque donde los dos hermanos bailan y cantan a duo. De entre muchos temas es destacable el sonido que sacaron para “El ídolo” con el que cerraron el show antes de los bises.
La gente, que colmo el Luna, pedia por mas y ellos cedieron. Rápido y sin mucho preambulo volvieron para hacer tres temas más entre los que incluyeron “Todo dicho” que es un tema que venia en la versión descargable para celulares deMucho.
Una presentación impecable, otra mas, donde se mostro el alto nivel de profesionalidad sumado a la desfachatez del rock mas primal.

Babasónicos en el Luna Park el 11/07/08