¿Hace falta aclarar que no son de Egipto ni hacen Hip Hop? ¿ Hace falta aclarar que no tienen disco, que promedian los 18 años, que su myspace supera las 30000 visitas y que son de UK? Sí, eso si hace falta, porque de estos simpáticos chicos quiero hablarles hoy, compañeros del rock.

Resulta que estos muñecos son de la emblemática ciudad de Manchester (¿qué música harían si sería de Lafe?) y ya con sólo un single, “Wild human child” producido por Sam Eastgate, vocalista y líder de la banda Late of the Pier, editado, están en boca de varios medios de UK como NME y The Guardian. Yo los descubrí gracias a un compilado del año pasado de bandas nuevas, con su tema “Rad Pitt”, y me parecieron geniales. Con una onda The Cure más moderno, este tema me impactó de inmediato.

Egytian Hip Hop son Nick Delap (guitarra, bajo), Alex Pierce (baterías, teclados, coros), Alexander Hewett (voces, teclados, bajo) y Louis Stevenson Miller (guitarra, bajo, coros).

Ya que es una banda nueva, sin disco, no hay mucho material como para compartir, les dejo el link al video de “Wild Human Child” y la hermosa “Rad Pitt” para que bajen y canten por la calle mientras se piden un cafecito en la fría Plaza Miserere.

Frescura, playa, West Coast, California. No sé si les dice algo. A mí mucho, y me dieron ganas de escuchar a ver que pasaba y resulta que además de tener un simpático gatito (el de la cantante, Snacks) en la portada del albúm, también estan re hypeados, cosa que me gusta mucho a la hora de escuchar una banda de afuera, porque después la cosa acá en Buenos Aires es totalmente otra, aunque eso también es lo divertido.

La cantante es una minita trasheada que le pone onda como loco, se llama Bethany Cosentino, divina ella; su compañero de banda (es un duo) se llama Bobb Bruno y era su babysitter (niñero, me gusta más babysitter) de cuando ella era pequeña. Bizarro. En vivo toca la batería Ali Koehler, que era de Vivian Girls hasta este mismísimo mes de julio. Cuenta ella que su padre es músico, y que siempre estubo rodeada de música y músicos, con lo que ya a los 16 años empezó a componer. Despues le agarró fobia al escenario y no quiso tocar más. Unos años después su amiga Amanda Brown le propuso volver a la música y formar Pocahaunted, una banda con una propuesta musical diferente a la de Best Coast, en la que participó un par de años y le sirvió para que Thurston Moore de Sonic Youth las invitara a telonearlos en un show en Berkeley en el 2007.

Confundida con su vida nuestra amiga  Bethany se fué a estudiar artes a New York y dejó la etapa de Pocahaunted, aunque la banda sigue en actividad y haciendo noise por su lado. Ella cuenta que le costó adaptarse a esta nueva ciudad, que se la pasaba mirando Seinfeld y Friends en su laptop. NY le pegó mal  (o bien, según lo veamos), se deprimió y caminando bajo la nieve escuchaba a Brian Wilson, música surf y a grupos de chicas de los 60, extrañando las palmeras y los días de porro y sol. Con semejante influencia y a sus 22 años volvió a LA y empezó a grabar canciones en su laptop. Su amigo Bruno la ayudo con las mezclas, las grabaciones y las fechas en vivo, así comenzaron a editar singles (ó 7″), algunos EPs y ahora salió el esperado LP.

Es llamativo e interesante como estas bandas sacan 7″ bajo diferentes sellos y después el disco sale por otro sello también. Como ejemplos, Best Coast editó con Art Fag, un sello de San Diego, con Group Tightener de Brooklyn y ahora el LP sale por Mexican Summer también de Brooklyn, entre otros sellos que editaron otros singles, splits y EPs.

Finalmente te digo que el sonido de Best Coast es bien lo-fi, pop, lovely y para estar feliz saltando y cantando a viva voz “I can’t do anything without you/ I can’t do anything with you”.

Conseguilo como sea!. Pasalo a tu reproductor portátil, tomate un té de jengibre, ponete las gafas, salí a caminar por Honduras (la calle claro) y cantalo sin pudor.

Este disco es cosa seria.

Al parecer, Piano Magic es una banda de un solo tipo que arrancó con la movida, nuestro amigo Glen Johson, en torno a un grupo de colaboradores en la ciudad de Londres, allá en el lejano 1996. Una forma tan recurrente en el indie nacional donde los proyectos pueden mutar de integrantes, según la ocasión o la fecha/tocada, pero siempre manteniendo a un integrante base. El grupo de Glen, ha sacado diez discos, muchos singles y varios EPs hasta la fecha. Musicalmente me resultan originales en su mismo universo y únicos, como pueden ser los Of Montreal, que si no los escuchaste, hacele click al link. Su sonido es un tanto oscuro, es pop, es por momentos electrónico y por otros post-rock, si queres. Se quejan de que la mismísima prensa de UK no les dió mucha bola desde el comienzo, con lo que, se han dedicado a girar, más que nada, por Alemania, Rusia (donde tocaron durante el último invierno más frío en 60 años en el 2006), Holanda, Italia, y España, para este último país grabaron en la banda de sonido de una peli llamada “Son de mar” de Bigas Lunas.

A lo largo de su carrera tuvieron como invitados a Alan Sparhawk de la genial banda Low y a Ben Ayres de otra, interesante, a veces repetitiva, banda inglesa Cornershop; y como para seguir en la onda “de culto” o algo, para este disco que hoy nos cita tienen de invitados a Brendan Perry y Peter Ulrich de Dead Can Dance.

Otro detalle importante es que la banda sacó sus discos por varios sellos, como Monopsone (Francia), 4AD (UK), Green UFOS (España) o Important Records (USA). Este último disco salió en UK por Make Mine Music, como verán lo más freak de la escena.

Que la pasen bien, escuchenlo de pe a pa sin pausas y que sean muy felices.

Le Microkosmos - Y vas donde sonrisas te dan esos encapuchados de un mundo nuevo

Inclinando la pista

Citando al flaco Spinetta para el título del disco con la frase de “Credulidad” de Pescado Rabioso, con un pequeño cambio al final, se meten de lleno en el imaginario del primario rock nacional. Los músicos protagonistas de este trabajo nacen de bandas de rock, aunque en esta oportunidad se permiten jugar y dejarse llevar por los sonidos electrónicos. Este dúo de músicos productores oriundos de Castelar en la zona oeste del Gran Buenos Aires, Guillermo Beresñak y Pablo Retamero, compusieron, tocaron y crearon los nueve tracks que componen el disco y demuestran que la electrónica también puede ser canción pop y que también se puede tararear y bailar hasta el final.
Un ritmo constante y un groove mágico hacen de “Y vas donde sonrisas te dan…” uno de los mejores discos en lo que va del año de la escena indie argentina. Con una producción impecable el disco está a la altura de sus pares europeos como JUSTICE o Norteamericanos como The Crystal Method. Mayormente cantado en inglés, los temas pintan la pista y el viaje con ritmos quebradizos y pasajes lisérgicos que funcionan tanto en la disco como en el living. “Y vas…” presenta una inédita mezcla de rock y electrónica para la escena indie argentina, donde guitarras y syntes arremeten al galope del beat, además de renovar el aire con sonidos modernos, reciclados y jugados.

Descargá el disco de Le Microkosmos aquí.

Scary monsters... And Super Creeps

Primer disco de la década del 80 para el Duque Blanco. El último para la discográfica RCA y el primero luego de la experiencia más experimental de finales de los 70 junto a Brian Eno, lo que se llamó la Trilogia de Berlín. Lanzado en Septiembre de 1980 debutó número 1° en el ranking de UK. El primer single fué lanzado en agosto del 80 “Ashes to ashes” al que le siguió “Fashion” en octubre del mismo año, dos hits de una nueva etapa de Bowie.
En el disco participan de invitados Robert Fripp y Pete Townshend en varios temas. Producido por Bowie con la colaboración de Tony Bisconti el sonido busca un balance entre vuelo y pop, entre tengo todo el 70 encima y el 80 me quiere moderno. Es un disco rocker, pero con unos arreglos y unas ideas justitas, bien puestas. Sin ser demasiado pretencioso, puede que sea su último gran disco, especialmente a como se manifiesta la obra y en la respuesta del público y critica.
Recomiendo una escucha sincera y dedicada, si es posible en formato CD. Se destacan “Fashion” con una intro irrepetiblemente clásica; “Because you’ re young” es un tema bailable con mucho humor; “Teenage wildlife” con David poniendo su voz muy alto y con Fripp viajado; “Kingdom come” con unos coros gigantes, mucho tamaño. Es un disco realmente con tamaño. Hay una reedición en CD del 92 que trae unos bonus, “Crystal Japan” que estaba solo en la edición Japonesa, es un instrumental muy moderno y una versión loquísima de “Alabama song” que originalmente estaba en un single americano del 79.

Grandes melodías. Un poco de punk, un poco de retro, un poco de Franz Ferdinand, otro de The Smiths y algo raro: un sonido como de español, de idioma español. Tres hermanos, dos de ellos gemelos. Otra vez una buena banda desde UK, en este caso son de Yorkshire. El vocalista/guitarrista Ryan Jarman, el bajista Gary, y el baterista Ross. Parece que vienen tocando desde que los gemelos tenian nueve y el baterista cinco, pero desde luego que tienen algo para mostrar no hace mucho.
Comenzaron grabando sus primeros singles con un tal Bobby Conn de Beat Happening and Bobby Conn, una banda indie amaricana, quien los invitó a su estudio de Chicago a grabar, ya que le había gustado mucho la banda.  Recién en 2003 firman para Wichita Records y en 2004 editan su primer albúm autotitulado “The Cribs”.  Lanzaron su segundo albúm “The new fellas” en el 2005 y su tercer albúm en el 2007 “Men’s Needs, Women’s Needs, Whatever” bajo la producción de Alex Kapranos de Franz Ferdinand.

Por estos días la gran novedad es la incorporación a  la banda, como miembro estable, de Johnny Marr, ex guitarrista de The Smiths, de The The, de Electronic y hasta muy poco de Modest Mouse. Por estos días dieron shows con mucha repercusión en los festivales de Leeds y Reading el 22 y 24 de agosto respectivamente. Van a estar en Mexico a partir del 18 de septiembre y siguen de gira por EEUU.

Si aplicamos el nombre del disco a la vida del hombre, entonces podríamos dividirla en tres grandes etapas o períodos. En la infancia amamos incondicionalmente, sin temor, sin preconceptos. Luego vienen los pensamientos, las fobias, la desconfianza, los miedos, la etapa de temer que llega hasta el día en que decidimos abrazar la muerte y partir.

En su cuarto disco Gabo Ferro nos introduce en el delicado mundo de Gabo en el país de los pequeños detalles del amor, el desamor, los miedos, los reclamos, los recuerdos, etc. Letras que de tan graciosas son muy serias: “Alguacil” o “La casa; nuestros discos”. Utiliza inteligentes juegos de palabras como en “Dicen” y “Nube y cielo”. Sobre todo honestidad brutal en “Ahí vá tu cuerpo al fuego”, el track que abre el disco, ó “La fruta que disfruto”.

El disco es un registro en vivo de sus doce temas, inéditos, grabados en marzo del corriente año en el Centro Cultural Caras y Caretas siguiendo con la tradición de muchas bandas progresivas de la década del ’70, como por ejemplo King Crimson, que grababan sus nuevos discos en vivo, a la vez que presentaban los temas al público por primera y hasta a veces por única vez.

Gabo es un cantautor, si se me permite llamarlo así, diferente y muy particular. Escucharlo implica enamorarse y entregarse a su voz, melodías y encantos o por el contrario no soportarlo más de cinco minutos. Su voz en este disco despega vuelo y parece no va a bajar jamás. El disco mantiene un clima intenso, divertido, sorprendente hasta llegar a la joya final en donde Gabo escupe “Volví al jardín”. Termina y vienen ganas de presionar play otra vez, porque dicen, la felicidad es la repetición.

Vía mail realicé esta entrevista a Erika Forester quien amablemente me respondió diez preguntas. Además transcribo la entrevista bilingüe así todos pueden disfrutarla.

¿Cúal es el significado del nombre? Su historia.
El nombre de la banda viene de la pelicula “La gran aventura de Pee Wee” de Tim Burton, amamos esa película!

¿Dónde está “el punto fuerte” en sus canciones?
Nos emocionan nuestras canciones porque las componemos complementariamente. Cuando una canción está terminada, sabemos que refleja una parte de cada una de nosotras individualmente.

¿Cómo se conocieron?
Yo solía tocar en una banda con el novio de Annie. Nos conocimos y nos hicimos amigas instantáneamente, así que decidimos empezar una banda con solamente teclados. Heather era una amiga del barrio. Como era muy copado lo que hacia en artes escénicas y tenia un muy buen gusto en la música, la invitamos a que se nos una.

¿En que ciudad viven? ¿Cómo es la escena allí?
Vivímos en Brooklyn, New York. Es una comunidad amorosa. A menudo salimos de fiesta con nuestros amigos y disfrutamos de la buena vibra, del sentimiento de estar en casa y del cambio de las estaciones. Además, siempre hay algo creativo y divertido para hacer!

¿Cúales son sus bandas amigas de la ciudad?
Grizzly Bear, TV On The Radio, Purse Snatchers, Uninhabitable Mansions, Clap Your Hands Say Yeah, Apache Beat.

¿Cúales son sus discos de la niñez? ¿Qué música escuchaban sus padres?
Todas tuvimos diferentes discos sonando en nuestras casa mientras crecíamos pero todas amamos a los Beatles.

¿Qué otras influencias no musicales, les dan ideas o motivación para su música?
La naturaleza, la amistad y el amor.

¿Qué canciones suenan mejor en vivo?
Nos gusta tocar algunas lentas canciones ensoñadoras junto a algunas divertidas y bailables durante nuestro show.

¿En qué otros proyectos están involucradas?
Annie está tocando en una banda llamada Uninhabitable Mansions.

La vida es…
Buena onda.

In english…

What’s the meaning of the name? The history.
Our band name comes from the movie by Tim Burton called “Pee Wee’s Big Adventure” we love the movie!

Where’s the “strong point” in your songs?
We get excited about our songs because we write them collaboratively. When a song is finished, we know that it reflects a piece of all three of us as individuals.

How did you meet each other?
I used to play in a band with annie’s boyfriend. We met and became friends instantly and decided to start and all keyboard band. Heather was a friend from the neighborhood. She was cool, in the art scene and has very good taste in music so we invited her to join as well.

Where do you live? How is the scene there?
We live in Brooklyn New York. It is a very lovely community. We often run into friends walking down the street and enjoy the energy, the feeling of home and the changing of the seasons. Plus, there is always something fun & creative to do!

Which bands are your friends in the city?
Grizzly Bear, TV On The Radio, Purse Snatchers, Uninhabitable Mansions, Clap Your Hands Say Yeah, Apache Beat.

What where the records of your childhood? What music did your parents listen?
We all had different records playing in our homes growing up but we all loved The Beatles.

What others non musical influences, bring you ideas or motivation for your music?
Nature, Friendship, Love.

Which song sounds better in your shows?
We like to play some slow dreamy songs and some fun dance songs during a show.

In what others proyects are you involved?
Annie is playing in a band called Uninhabitable Mansions.

The life is…
Gentle.

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Abrigando un profundamente arraigado amor por los teclados y por maquinas de ritmo vintage, el trío de Brooklyn, New York, USA, Au revoir Simone – Heather D’ Angelo, Erika Forester, Annie Heart – hicieron su debut en el 2005 cuando su mini albúm Verses of comfort, Assurance and salvation fue silenciosamente editado en varios sellos alrededor del mundo (Moshi Moshi en UK, Rallye en Japón, independiente en USA).
Desplegando encanto e inteligencia, Verses… fue una lección de bienvenida en como mezclar con habilidad capas de teclados, voces etéreas y palpitantes beats disco electrónicos. Rico en melancolia y melodia, las chicas emergieron instantáneamente como un remedio a un clima de bandas-de-chicos-con-guitarras.
Obviamente, la historia comenzó mucho antes. Au revoir simone se formó en el Otoño del 2003 cuando Erika y Annie hicieron un viaje con sus amigos en tren durante un fin de semana desde su casa a NYC. Allí descubren un deseo en común de formar una banda sólo de teclados, así comenzaron a juntarse regularmente. Al poco tiempo, su amiga en común Heather se les unió para ensayar en una habitación con vistas a sus primeros shows para ese invierno.
La banda ha recorrido un largo camino desde sus principios en el 2003. Desde su primer viaje a Europa y Japón hace unos años, las ARS han hecho una tonelada de shows en su ciudad natal, como también un extenso tour por USA, Canada y Europa haciendo de banda soporte a sus colegas We are Scientists. Consecuentemente, los vivos son musicalmente más ajustados que antes. Así llegan a su primer LP, The Bird of Music.

Escrito y grabado en Brooklyn durante el año pasado (salvo “I couldn’t sleep”, la cual Erika grabó con su novio en Japón el año anterior), el albúm debut de ARS más que seguir, atravezó la promesa que Verses… representaba. La gran diferencia entre los dos discos, es que mientras Verses… era un compilado de sus canciones preferidas en su primer año juntas, The Bird… fué pensado especialmente como concepto.
Cuando se propusieron hacer este disco, las chicas intentaron crear algo que suene más exuberante, complejo, caliente y orgánico que Verses. Querian transformar sus instrumentos electrónicos en algo que se sintiera más vivo, con más profundidad. Comenzaron a experimentar con un rango más amplio de instrumentos tales como: vibrafonos, Wurlitzer, instrumentos percusivos y otros músicos sesionistas para tocar trompeta, trombóm, violín y cello. El disco fué grabado en un estudio analógico buscando la profundidad en el sonido que este permite.

¿Ustedes encaran el proyecto y después consiguen el contrato discográfico?

No, en un momento sabiamos que podia ser una complicación porque involucras mucha gente y comienza a haber intereses más cuando participa Juliana Gattas de Miranda!. Desde el momento que la llamamos a ella ya casi sabiamos que el disco lo ibamos a sacar por el sello de ellos porque no teniamos opción. Nos costó mucho lograr que el sello escuche el material, imaginate que bola nos hubiesen dado si los llamabamos para pedirle el permiso de ella. Yo le decia a Ezequiel:
“Ya sabemos que va a ser complicado, pero el disco hagamoslo y después veamos como lo vamos a resolver en cada cosa” porque si nos poniamos a ver como era la situación no lo hubiesemos hecho nada. Fué bastante ingenuo en un punto de nuestra parte. Todo un poco de la mano del poder que pudieron haber tenido las canciones en ese momento, que era lo único que podiamos ofrecerle a la gente, que cantara una canción que le gustara. No podiamos llamar a Juliana y decirle: “Mirá tenemos tanta plata” podiamos decirle: “tenemos esta idea, esta canción, te gusta?”. La escuchó y le gustó.
Yo queria que estuviese Deborah del Corral por ejemplo, me encanta su voz. Ni la conozco a ella personalmente, sólo la ví cantar, eso era lo que me importaba. No me importaba si era conocida o nada, me gustaba que canta muy bien. Pero no llegamos a coordinar y en algún momento sé que vamos a hacer algo. Aldana, María Fernanda, también de El otro yo, me hubiese gustado que esté, tampoco lo pudimos coordinar. Hay un montón de chicas que podrían cantar, montones, pero creo que se dió algo bastante equilibrado en el disco.

Fue bastante organico, natural…

Y si, si porque aparte hasta el momento en que el disco lo mandamos a un sello, no hubo nadie de intermediarios más que nosotros y las chicas. Eso es muy importante.
Este disco no lo podemos hacer de otra manera, por más que hagamos otro disco y tengamos más producción no podriamos hacer que las chicas las llame alguien, porque ya se pierde inmediatamente la onda. Yo cuando lo veo al disco, cada vez que veo la tapa y eso, me parece un logro, como algo que digo: “wuahh que bueno haberlo hecho”. Me sorprendió a mí mismo a esta altura, no es que yo sea un viejo choto, me sorprendió que haya salido algo nuevo. Inclusive me renueva a mí también, me dió un aire nuevo, más ganas de retomar lo mío.

¿Cuanto tiempo pasó desde que empezaron hasta la edición del disco?

En verdad no pasó mucho tiempo, a mi me dá la sensación de que pasa un montón. Lo empezamos en el verano del 2007, hace un poco más de un año. Ahí grabamos el primer tema con María y con Juliana, después, algo loco que pasó fué que alguien me habló de Javiera Mena, yo no la conocia. Justo vino ella, le mandé un mensaje por el myspace porque escuché un tema y realmente me llamó mucho la atención. Encontré inclusive elementos muy familiares a mí. Me contacté con ella y me confesó que conocia mi música hace mucho tiempo. Fué algo divino. El disco que hizo ella “Esquemas juveniles” me gusta desde que empieza hasta que termina. Fué lo mejor que escuché en mucho tiempo. Así que fué para mí muy especial que estuviera ella.

Lo que me me gustó de la participación de Javiera en el disco, es que los temas le encajan justo, la mayoría de los temas tienen esa característica, pero la veo más versátil a María Ezquiaga por ejemplo.

Igual existió siempre un 40% de riesgo. “Mirá, Javiera puede cantar este tema, le quedará bien el tono? sí bueno”, pero no lo pudimos repasar nunca. Llegó al estudio, le pusimos el tema y a ver que pasa. Igualmente no tuvimos ningún problema con eso, sí cambiamos algunas cosas, pero pequeñas. Yo quería que estuviese una amiga mía que se llama Tamara que es del grupo Limpiaisla de Rosario, que tenian otra banda antes que era Celestito.

Si recuerdo…

Bueno, no logré coordinar con ella, tampoco pudo estar…

Una cosa que me llamo mucho la atención es la relación de padre-hijo en las letras, ¿donde te paraste vos para componerlas?

Quizás hay algunas circunstancias personales que no tienen que ver con haber sido padre pero… a esta altura, de lo que me pasa a mí, a veces pienso: “y de que puedo hablar si no es de estas cosas, que lo que le pasa a la gente?”. Yo escucho bandas, como Los Violadores que cuentan una historia que se compran un auto rojo y salen a fusilar gente y me re copo, pero yo siento que eso no lo puedo escribir. ¿De cuantas cosas podés hablar? Podés hablar de que hay guerras, no sé, pero no son tantos los temas que yo siento ahora que puedo tocar. Yo habló de los celos, de los sueños y las frustraciones. Igual tomé un poco todo ese tema de una manera bastante dramática y drástica, un poco a drede porque es mi manera de novelizar las cosas. Me gusta cierta cosa dramática.
También el hecho de escribir para mujeres me despierta cierta cosa. Vos cuando ves una chica y te gusta, en tu mente estas viendo también si te gustaría tener un hijo con ella, si te gustaría vivir con ella, un montón de cosas que quizás ni son concientes pero las estas pensando. Yo cuando escribo acerca de mujeres me pasa eso. Si supiese explicar tan bien como es que puedo escribir esas cosas… yo creo que es más inconciente.

En general, ¿en que momentos escribís? ¿En los momentos que te sale o te lo propones?

Pocas veces tomo algún apunte de una letra sin tener la música. Ya digamos, me atrevería a decir que odio las letras con poesía. Es una cosa muy de otra época. Me puedo tomar ese relax a nivel de hacer complicaciones musicales, esas cosas pero la letra para mí es algo casi urgente. Tiene que ver con estos tiempos, estos tiempos para mí son como rápidos. Yo siento, no sé si logro, yo te puedo decir cual letra del disco es tonta. “Patrullero” es una letra tonta, tonta en el sentido de que no escarba más allá…”IOA” también… No sé como lo disfruta la gente, quizás hay gente que no entra tanto por las letras. De repente, por ahí el disco lo terminan escuchando chicos que tienen 16 o 17 años que por ahí no hacen tanto foco en esa parte.
Hace un par de discos que vengo diciendo: “Bueno, usemos dos teclados, usemos el mismo sonido de batería, el mismo bajo” Un disco con un sonido. Acá no podemos hacer eso. Porque al haber diez, doce cantantes diferentes es como que cada una tiene su estilo. Yo realmente compongo muy diferente por ahí hago un tema re ochentoso o hago un tema que tiene más que ver con un bolero o con música de antes de los ’60. No podemos encasillarlo, más si queremos que participen Mariana Baraj y Noe Mourier de Coco.

¿Hay segundo capítulo?

Las canciones están, así que algo vamos a hacer.

En general tocas muchos instrumentos en tus discos, ¿por qué lo haces?

Yo creo que hay cosas que las puedo hacer mejor por el hecho de que las entiendo profundamente. Igual creo que es una cuestión práctica basicamente. Ahora hice un disco nuevo como solista en el que practicamente no toqué casi ningún instrumento. Donde lo hice con mi banda: Marcelo Baraj, Alejandro Carrau, Ezequiel Kronenberg y Nico Pedrero. En “Tu entregador” tampoco toco casi ningún instrumento, eso cambió ahora a partir de este disco. Pero son discos en los que ensayamos y grabamos en dos días. En un proyecto en que nos juntamos en estudio, como fué “Papá”, que tenemos todos los elementos ahí, tenemos la batería, yo toco la batería hace bastante.
Sé que lo que voy a hacer lo puedo hacer, si no lo puedo hacer llamo a otro. Es una cuestión práctica, con Ezequiel nos juntamos para hacer por ejemplo “Supermal”, yo sabía como queria que sonara el tema, que sea algo así como New Order de la primera época. Yo lo podía tocar, pero le dije: “para este tema llamemoslo a Marcelo Baraj, él este ritmo lo va a tocar perfecto”, y bueno lo llamamos y perfecto. Hacía falta otra cosa, de Dieguito Arcaute, él iba a grabar dos temas, a él se le había ocurrido otras cosas, un hi-hat muy grande, buenismo, entonces lo grabamos pero después había quedado muy ruidoso el tema, María vino a meter la voz y era un quilombo, entonces dijimos: “que hacemos?” y Ezequiel me dijo: “metete y grabalo”. Es una cuestión práctica. Yo puedo meter un teclado, pero la parte de piano que toca Jacinto yo no lo puedo hacer, es re de pianista.